Art Nouveau en Bélgica

La nueva transformación cultural trajo consigo un nuevo periodo en el que este país sería uno de los centros de la vida artística.
Antes del Art Nouveau, los artistas se ven muy inspirados en el simbolismo de la época, surgiendo así el movimiento “de los XX”, un grupo de veinte artistas que debatían sobre sus intereses en el arte, principalmente el oriental, de los japoneses. En esa época el arte estaba muy relacionado a la literatura, es ahí el nacimiento de los carteles, la ilustración y la nueva inspiración de los artistas, los poemas; eso sí, siempre mostrando su gran interés por el arte japonés. Posteriormente, los artistas del Arts & Crafts como J.Toorop se ven atraídos por el simbolismo, se originaría el Art Nouveau en búsqueda de una autenticidad y la vida artística cambiaría.
Es en Bélgica que se dan las primeras manifestaciones artísticas y donde el Art Nouveau alcanzaría una revolución de las artes aplicadas o artes decorativas, con los edificios de Victor Horta, las creaciones de su mano derecha Henry Van de Velde y los muebles de Serrurier-Bovy; donde muestran todos los patrones del Art Nouveau bien definidos y son aptos para una gran difusión.

Representantes:

- Víctor Horta
- Henry Van de Velde y Serrurier-Bovy

Bélgica: Victor Horta

Arquitecto que inició su carrera con la corriente neo-clasicista pero posteriormente fue un pionero y de los principales exponentes del Art Nouveau, donde diseño grandes construcciones que causaron el interés del público por esta nueva corriente.
Su primera obra de Horta fue sin duda, la que le abrió las puertas al movimiento, conocida como la Casa Tassel, que fue totalmente innovadora y revolucionó la arquitectura.
La Casa Tassel fue realizada entre 1892 y 1893 en Bruselas, Bélgica. Fue una construcción revolucionaria que rompió con los patrones clásicos en muchos sentidos, desde la decoración hasta la disposición de las habitaciones. En la fachada de la casa se pueden observar ondulaciones y asimetría en ciertas ventanas, que posteriormente serían un medio más para la decoración; a su vez, se pueden observar los miradores, que también tienen curvas en las superficies. Al interior, prescindían los pasillos y habitaciones en fila, por lo que en algunas habitaciones eran oscuras, Horta implementa un solar con techos hechos de cristal, parecido a un vitral. Es adentro donde se sigue una tendencia más figurativa, pues por toda la casa existen ornamentaciones de hierro y cristal, con formas orgánicas y vegetales, escaleras ondulantes y colores llamativos, donde predominan la gama de amarillos; a su vez, el mobiliario sigue los mismos patrones y hace más armoniosa la casa. Sin embargo, es la escalera principal la que llamó más la atención, pues es probablemente la que más integre los elementos del Art Nouveau, ya que tiene barandillas de hierro en formas orgánicas, diseños en los vidrios, y en el piso en forma de mosaicos y la pared que muestra el esplendor de los diseños bidimensionales característicos del Art Nouveau. Gracias a Horta, se empezó a utilizar el hierro en otras construcciones y ornamentos.
Posteriormente, en vista del éxito de su construcción y para aprovechar la difusión del movimiento crea dos casas más, la Casa Solvay, donde esta vez integra ondulaciones en las paredes, que posteriormente sería característico de la obra del español Gaudí; y la Casa Horta, que es muy parecida y sigue los mismos parámetros de la Casa Tassel.

Bélgica: Otros representantes

Henry Van de Velde:

Fue un arquitecto y dibujante de una familia de la burguesía que proyectó su arte en muchos campos: pintura, gráficos, caligrafía, carteles, libros, publicidad, tejidos, vestidos, embalajes para productos industriales, papeles y joyas. Siguió los pensamientos de William Morris y su Arts & Crafts, y es considerado uno de los principales precursores del Art Nouveau.
Inició su carrera haciendo xilografías, donde se caracterizó por una línea con espesor y movimiento variable, en las ilustraciones a revistas cuidaba mucho la tipografía y la decoración. Se desarrollo como diseñador gráfico gracias a el trabajo que consiguió en la empresa Werke de Colonia, donde también hacía anuncios publicitarios; es ahí donde le integra a sus obras una mezcla de formas orgánicas y formas rectilíneas. Pero posteriormente decide enfocarse más en la decoración y el diseño de interiores
Una de sus primeras obras arquitectónicas fue su propia casa, en Ukkel, llamada Casa Bloemenwerf, para esto se inspiró en la obra de Horta, convirtiéndose en un buen ejemplo del Art Nouveau; sin embargo, no logro encontrar muebles para la decoración de esta, por lo que tuvo que diseñarlos por sí solo, en este nuevo rubro, se caracterizó por usar madera, en curvas pero sin ornamentos, siempre orgánicos. El mueble más conocido de Van de Vende es la silla Bloemenwerf.
Posteriormente, se traslada a Alemania donde crea su escuela de Artes y Oficios de Weimar, que serviría como antecedente de la escuela Bauhaus. Ahí también, difundió el estilo en la decoración de la tienda de Samuel Bing, La Maison de l'Art Nouveau y del Folkwang Museum de Hagen. Sin embargo su mejor obra fue el Teatro para la Exposición de la Werkbund.
Pese a que Van de Velde fue un gran precursor del Art Nouveau, posteriormente paso a formar parte del Racionalismo en el que se rechaza la ornamentación.


Serrurier-Bovy
Fue un arquitecto y diseñador conocido por sus muebles de salón, donde adopta un estilo propio, inspirado en el Arts & Crafts y la cultura japonesa; caracterizado por líneas orgánicas y sinuosas, marcadas por una seguridad en el trazo.
Sin embargo, son Horta y Van de Velde los principales exponentes del Art Nouveau, aunque Serrurier influyó en el diseño industrial enormemente.

Art Nouveau en Francia

El Art Nouveau llega a París gracias a las nuevas tendencias de los belgas; sin embargo, entró con desconfianza por parte de los críticos franceses, aduciendo que era un fenómeno de influencia inglesa. Por una parte tenían razón, pues, los protagonistas del Art Nouveau en Francia eran de origen extranjero. Entre los principales personajes en Francia estaban: Eugene Grasset, Alphonse Mucha, Héctor Guimard, René Lalique, Eugene Gaillard y muchos de los estudiantes de la escuela de Nancy.


Escuela de Nancy

La ciudad de Nancy fue la capital del Art Nouveau, y surge debido a que los habitantes de Alsacia-Lorena al no querer vivir bajo la soberanía alemana deciden emigrar hacia Nancy; como consecuencia, su publicación incrementa al doble y surgen mayores comerciantes y oportunidades para nuevos artistas e intelectuales.
Es así que en Francia, se forma una escuela denominada L’ Ecole de Nancy, creada por el artista Antonin Daum y posteriormente aliado a Emile Gallé, formando así un sindicato de diseñadores industriales y decoradores. Su objetivo era implementar el hierro, acero y el cristal, para así llegar a todos los hogares. Siempre inspirada en elementos orgánicos, la cultura japonesa y animales. Como principales representantes están: Antonin Daum, Louis Majorelle, Emile Galle. Las obras producidas eran vendidas en la tienda de Samuel Bing, L’Art Nouveau.
Sin embargo, a menudo la escuela estaba escasa de dinero y se fue desintegrando lentamente durante la Primera Guerra Mundial.

Francia: Representantes 1

Representantes de la Escuela de Nancy: Fueron dos

Antonin Daum

Artista nacido en Lorena, la situación económica no era muy buena, por lo que abren un negocio de cristalería que posteriormente pasaría a Antonin, que serviría de punto para los artesanos precursores del Art Nouveau. Luego se uniría a Gallé para convertirlo en un movimiento. Empezaría a utilizar nuevas técnicas en el vidrio, como el ácido y el grabado, y fue finalmente por eso, sus trabajos en vidrio; pero también implementa nuevas, la marquetería de vidrios y la pintura esmalte, para crear capas y aumentar la gama de colores ha utilizar en el trabajo sobre vidrio. Al igual que Gallé, sus jarrones serían muy codiciados y bien aceptados por la sociedad que lo veían novedoso en el acabado debido a las nuevas técnicas utilizadas.


Emile Gallé
Artista conocido por sus trabajos en cristal, estudió dibujo y botánica. Inició su carrera con el vidrio, con esmaltes para darle color, pero posteriormente empezó a usar vidrio pesado bajo la técnica de agua fuerte, con elementos decorativos como flores. Implementó técnicas, como burbujas de aire y láminas de metal, para luego abrir un taller en el que producía sus diseños en masa, donde se hicieron famosos los jarrones, que mostraban nuevas tendencias de luz y relieve.

Francia: Representantes 2

Louis Majorelle
Fue un diseñador de muebles y destacado alumno de la escuela. Se caracterizó por su línea orgánica y el uso de la técnica taracea , una técnica artesanal, valga la redundancia, al revestimiento de sus muebles. Su inspiración vino de la naturaleza: Flores, ramas y animales, principalmente la libélula; prefiriendo siempre los elementos exóticos.

Eugene Grasset
Pionero del Art Nouveau en Francia, fue un ilustrador suizo, inspirado en una mujer ideal a lo Botticelli, delgada y de cabellera larga, y elementos de la naturaleza como flores. Se hizo conocido por sus postres, además de sus joyas e ilustraciones en libros.
Su carrera la inclinó hacia el diseño gráfico, desde postales a estampillas, fue con los afiches que logró el reconocimiento, el más conocido fue Juana de Arco para la actriz del momento, Sara Bernhardt; posteriormente, empezó a diseñar logotipos para diferentes firmas.
Al final de su carrera se dedica a la decoración de tejidos.

Rene Lalique
Fue un joyero y vidriero que diseñó para firmas conocidas de la época. Estudió también orfebrería y dibujo por lo que pudo desarrollarse en esos campos, entre sus principales clientes están la actriz Sara Bernhandt, quien contrataría posteriormente a Alphonse Mucha. Como artista, le importaba más el diseño; la originalidad y el acabado artesanal del producto que el valor del material utilizado para su producción.
Fue reconocido por sus joyas, y por iniciar la comercialización de frascos de perfume en vidrio, su especialidad. En vista de la aceptación de sus diseños abre la fábrica Wingen-Sur-Moder, donde presenta novedosos procesos de fabricación de vidrio, y efectos como el Satinado Lalique o vidrio opalescente ; a su vez, fue un pionero al esculpir con vidrio en obras monumentales, como las fuentes de los Campos Elíseos.
Además, Lalique diseño textiles, abanicos y trabajó con el metal.

Eugene Gaillard
Diseñador industrial que se caracterizó por un mobiliario más abstracto y una sinuosidad en la línea de productos que evocaban la naturaleza por sus formas orgánicas. Muebles elegantes y femeninos eran un sello para este diseñador.
También fue uno de los artistas que decoró la galería de Samuel Bing, donde se expusieron muchos trabajos del Art Nouveau, la Exposición Universal de 1900 en París.

Francia: Representantes 3

Héctor Guimard
Arquitecto, basado en la obra de Víctor Horta y en las teorías de Eugene Emmanuel Viollet-le-Duc, considerado uno de los principales en este país. Caracterizado por una línea sinuosa usada en materiales como la cerámica y el vidrio, y metales para elementos florales y vegetales.
Se hizo conocido gracias a su obra el hotel Guimard, donde también había muebles que se integraban; eran obras sobrias que mantenían la asimetría, y también por las estaciones de Métro de París, lleno de elementos y decoraciones orgánicas típicas del nuevo estilo. Entre sus principales obras están: la casa Coilliot por su doble fachada, La Bluette por sus volúmenes, el Castel Henriette y el Castel d’Orgeval.
Sin embargo, finalmente pese a la originalidad de sus obras, no tuvieron mucho éxito pues eran refinadas y elevadas en costos, por lo que la gente que estaba con miedo por la Primera Guerra Mundial no podían pagarlo.


Alfons Mucha
Es para muchos, y me incluyo, el artista más destacado exponente del Art Nouveau, considerado pionero y precursor de la misma.
Es de origen checo, pero llega a París para trabajar como diseñador e ilustrador de libros y revistas, en vista de la intensa actividad gráfica que se desarrollaba en la época. Se hizo famoso al ser contratado por la actriz del momento, Sara Bernhardt; sin embargo, es con el cartel de Gismonda donde se le abren las puertas y adquiere contratos importantes, como del empresario Bronoff y una renovación de contrato con la actriz que lo contrato en su inicio. En este nuevo contrato, Mucha buscaba difundir la fama de la actriz, y trabajó para el teatro, donde se encargo de la escenografía y los vestuarios también.
Su actividad artística no solo se limito a carteles o dibujos, pues también hacía pinturas murales y muchas actividades decorativas, así como también, muebles, rejas, entre otros. Sirvió de inspiración para la joyería, en las alhajas de Georges Fouquet, que quedó impresionado con la ornamentación que Mucha les daba al entorno de la mujer; posteriormente, Mucha diseña los interiores de la joyería de Fouquet, para buscar nuevos compradores. Destaca la vidriería que hizo para la Catedral de San Vito, en Praga, admirada por los laicos hasta ahora. Mucha tuvo una fama internacional, y en muchos casos el Art Nouveau era sinónimo de Alfons Mucha, pues abarcó todos los patrones del movimiento en sus obras.
Se diferenció de muchos artistas pues quiso crear un mundo fantasioso: sus elementos fundamentales eran un simbolismo exótico con influencia oriental, que serviría para la decoración, llena de elementos de la naturaleza, como flores y elementos orgánicos; pero predominaban las mujeres, jóvenes hermosas, delgadas y de larga cabellera, llenas de una carga sensual, y para lograrla recurría a fotografías de modelos desnudas, y él les daba mayor dinamismo y realismo; así, la mujer se convirtió en la protagonista de todas sus obras, en vestidos voluminosos, refinados y cargados de adornos, caracterizados por tener incontables pliegues. Se destaca en el diseño gráfico por su originalidad, su composición, seguridad en la línea y su amplia gama de colores que inspiraría a muchos artistas hasta nuestros días.

Video: Trabajos de Alphonse Mucha

Inspiración en Alphonse Mucha

Sillón escultórico inspirado en su obra "Dance":




Tech Nouveau:
Es una exposición del diseñador gráfico Carol Banner, en esta galería se pueden observar readaptaciones de las obras de este artísta checo. Esta vez, digitalmente y sin recurrir a la bidimesionalidad.







Para ver más de esta exposición ver la siguiente página:
http://www.oblivion-graphics.com/home/exhibition2.htm

Art Nouveau en EEUU

El Art Nouveau se dio en el contexto de la Belle Epoque, por lo que fue conocido tanto en Europa como en la potencia de esos tiempos, Estados Unidos, en un diseñador en concreto, Tiffany.

Louis Comfort Tiffany

Inicia su carrera en New York, pero posteriormente amplia sus conocimientos en París, donde se queda deslumbrado por la nueva moda decorativa del Arts & Crafts y el pensamiento de Morris, creando así la firma Louis C. Tiffany and Associated Artists en su país, con compañeros de estudio. Tiffany heredó la habilidad de los negocios de su padre (Tiffany Company), por lo que el negocio fue un éxito; sin embargo, se vio atraído por las nuevas técnicas en vidrio y decide independizarse, creando la Tiffany Glass Company, conocida como Tiffany Studios: una fábrica de vidrios, que usaba vidrios de distintos colores y texturas, y que fue muy innovadora, principalmente en los vitrales.
Posteriormente abriría otra fábrica, esta vez Tiffany Glass Furnaces. Con este nuevo proyecto adquiere un sello personal, un estilo que denominaron favrile, una palabra francesa que se le denomina a los trabajos hechos a mano. En esta fábrica destacan sus lámparas a las cuales les integro vitrales. Aunque también diseñó joyas y tejidos. Su aporte a la arquitectura fue la integración de vitrales a las ventanas y a los solares, que le daban mayor vitalidad a la estructura, por los diseños florales y figuras asimétricas, que caracterizaron sus obras.

Modern Style: Inglaterra

Si bien, es este país la cuna del Arts & Crafts, consideraban el Art Nouveau francés muy recargado y en ciertos aspectos vulgar. Por lo que en Inglaterra el Art Nouveau no alcanza un gran desarrollo, resistiéndose a las líneas sinuosas características de este movimiento.
En este periodo se desarrollaría un grupo liderado por Mackintosh.

Charles Rennie Mackintosh
Arquitecto, diseñador y artista escocés, y es ahí donde inicia su carrera, marcada por un estilo sobrio y recurriendo a figuras geométricas. Se hizo conocido tras su obra, Glasgow School of Art, un edificio de estructuras rectangulares y yuxtaposiciones de sofisticadas líneas curvas. Luego se dedicaría al diseño de interiores, donde crearía muebles que atrajeron la mirada de muchos y posteriormente fueron expuestas en la Casa Mackintosh, se caracterizaron por ser muebles que combinaban la rudeza del medievalismo con la delicadeza de la modernidad, es decir, suaves curvaturas con elementos geométricos; estos, probablemente no siguieron con muchos patrones del Art Nouveau, pues no eran elementos cargados de ornamentos, y no todo era orgánico, sin embargo, al ser innovador y nunca antes visto es considerado Art Nouveau.
Luego, forma el grupo The Four con algunos socios, este grupo crearía las bases del estilo de Glasgow, se dedico a la decoración de todo tipo de objetos, caracterizado por siempre recurrir a la abstracción pero respetando la línea. Gracias a su trabajo y la creación de este grupo se abrió las puertas al mercado internacional, llegando así a Inglaterra, que estaba regido por el Arts & Crafts, pero aún así, la crítica los supo acoger y fueron aceptados pues eran algo orgánicos, sobrios y con una simplicidad en las decoraciones.

Secesión: Austria 1

Luego de la Primera Guerra Mundial, este país se volvió una zona importante para el desarrollo de la cultura: el arte, el diseño y la arquitectura. Para esa época, Austria estaba regida por la moral victoriana, sin embargo, la sociedad se impresionaba con las expresiones artísticas llenas de sensualidad y erotismo. Fue entonces que, Gustav Klimt unido a los arquitectos Josef Hoffmann y Olbrich fundaron la Secesión, donde exhiben temas irreverentes, que representaban la sexualidad; aunque a su vez, buscan potenciar el valor de la línea y de las superficies denominadas patterns, caracterizados por su bidimensionalidad, defendiendo así la esencia del arte japonés.

Gustav Klimt
El más famoso de los artistas austriacos, fue un pintor que inició su carrera pintando murales, pero en vista de la crítica prefirió trabajar sobre lienzos donde mostró su peculiar estilo. Su obra se caracterizó por presentar a la mujer con una actitud sutil pero a la vez agresiva, rodeada de una ornamentación abstracta y natural, siempre evocando al erotismo; a su vez, es un estilo exuberante pues en muchas obras Klimt usa lo figurativo, es decir, juega con la sugestión del espectador.
Fue destacado por sus diseños decorativos y sus objetos creados artesanalmente; sin embargo, se vio interesado por la nueva ola de innovación, y mostró su descontento con la Asociación de Artistas Vieneses, por lo que creó su propia asociación llamada Secesión, donde participaron importantes pintores. Es a partir de ahí que recibe cargos oficiales y contratos importantes, los más destacados fueron los murales hechos en mosaicos para el Palacio Stoclet, en Bruselas, una mansión diseñada por el arquitecto Josef Hoffmann; o un polémico encargo, como crear tres pinturas en el cielo raso del aula magna de la Universidad de Viena: Filosofía, Medicina y Jurisprudencia; sin embargo, el vanguardista de Klimt presentó una visión del ser humano, llena de dolor, sexo y muerte, por lo que recibe grandes críticas y no recibe trabajos oficiales.
“No hay nada especial en mí. Soy alguien que pinta todos los días de la mañana a la noche. Figuras, paisajes, de vez en cuando, retratos. Las palabras, habladas o escritas, no me salen con facilidad (...) Si alguien quiere descubrir algo en mí, puede contemplar atentamente mis pinturas y tratar de descubrir a través de ellas lo que soy y lo que quiero”
Gustav Klimt
A pesar de eso, Klimt seguía pintando mujeres desnudas y semidesnudas fieles a su estilo, esta vez mostrando mayor exhuberancia, agregándole aplicaciones doradas sobre los lienzos, pero con motivos bizantinos tras un viaje a Italia, en estas obras buscaba integrar la tradición con la modernidad. Denominada “etapa dorada” de Klimt, atrajo la mirada de la crítica y lo comercial por agregarle pan de oro. Muchas de estas obras fueron expuestas en importantes locales; sin embargo, las más destacadas fueron el Retrato de Adele Bloch-Bauer I y El beso
La producción de Gustav Klimt supera los cien cuadros. Un artista perseverante y muy dedicado a su profesión, que vivió una vida sencilla, siempre ocupado, en el trabajo y la familia, trataba de evitar los círculos sociales de intelectuales, y en su vida sexual, se vio rodeado por muchas modelos pero fue discreto y no protagonizaba escándalos. Este gran artista pintó hasta que un ataque le paralizó el lado derecho del cuerpo y posteriormente falleció de una neumonía, pero seguirá siendo una inspiración para muchos otros artistas. Tras su muerte, sus obras rompieron algunos records en subastas.

Secesión: Austria 2

Josef Hoffmann
Fue un arquitecto y diseñador industrial austriaco, discípulo de Carl Hasenauer y Otto Wagner, cuyas teorías en la arquitectura sirven de inspiración hasta nuestros días. Fue muy reconocido, por lo que ganó el Premio de Roma en 1895 y pasado el tiempo se unió a Joseph Olbrich en algunos proyectos. Fue una persona que tenía muchas relaciones, entre las más importantes están, la que tenía con el diseñador Mackintosh, con quien compartía técnicas y le sirvió mucho para sus futuros trabajos.
Hoffmann diseño muchos edificios en toda Europa, y su obra maestra fue el Palacio Stoclet, decorado en su mayoría por su amigo y pintor Gustav Klimt. Posteriormente se dedicaría a diseñar muebles que representen equilibrio y pureza, sin olvidarse de la decoración; a su vez, se interesó en la relación entre artesanía y el objeto en sí.
Finalmente, fue uno de los fundadores de los Wiener Werkstätte, talleres vienenses que fueron una gran influencia en el diseño industrial durante el siglo XX.

Joseph Olbrich
Una historia muy parecida a la de su socio Hoffman. Arquitecto y diseñador industrial que siguió los pasos de Otto Wagner, y gano el Premio Roma en su tercera entrega. Buscando inspiración en artistas ingleses como Mackintosh.
Su obra arquitectónica estará constantemente en contra de los historicismos. Haciéndose cargo del proyecto para la sala de exposiciones de la sociedad, donde diseñó cuatro torres sobre un cubo blanco y una esfera dorada ornamentada con hojas de laurel. Muchos quedaron impresionados con la obra de Olbrich, por lo que consigue importantes contratos, entre esos el del duque Hesse-Darmstadt, con quien diseñó muchos edificios que le abrieron puertas a nuevos pedidos de casas por parte de otros artistas. En Darmstadt, luego de liderar una colonia de artistas, crea la Hochzeitsturm, donde se conmemoró el segundo matrimonio del duque, siendo así, el proyecto más influyente.
Finalmente, en Dusseldorf se hace cargo de los almacenes de Tiezt y abandona el estilo modernista. Al próximo año muere repentinamente a los 40 años por una leucemia.

Jugendstil: Alemania

En Alemania y los países se le denominó de esta manera pues el nombre fue relacionado con la popular revista “Die Jugendstil”.
Se desarrolló en dos ciudades, Munich y Darmstadt, en artistas que buscan potenciar la línea decorativa basada en motivos orgánicos como las flores, estos son Otto Eckmann, Hermann Obrist y August Endell.

Escuela Bauhaus
Fue el primer instituto de la nueva época moderna, creado por el arquitecto, diseñador y urbanista Walter Gropius en 1919, en la ciudad alemana de Weimar. Fue una fusión de la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes Aplicadas, para romper con las diferencias entre artistas y artesanos. Este instituto siguió el ejemplo del Arts & Crafts, pues buscó hacer arte con las cosas cotidianas, trató nuevamente de reunir artistas y artesanos para así, integrar todas las artes, como lo hizo William Morris en su respectivo movimiento.
Entre los temas centrales que se enseña en Weimar, fueron las relaciones entre la industria y el trabajo artesanal y el trabajo mecánico, viéndolo como la herramienta de perfeccionamiento para todo artesano. La escuela sentó las bases normativas y patrones para dos carreras inexistentes en la época, el diseño industrial y el diseño gráfico. Gracias a la escuela, se establecen nuevas tendencias en la arquitectura moderna.


Diferencias entre el Arts & Crafts y la Bauhaus La escuela Bauhaus de Gropius y sus seguidores no se opusieron a la industrialización, como lo hizo el Arts & Crafts, pues lo veían como una gama de oportunidades para mostrar sus diseños.
El movimiento inglés (Arts & Crafts) marcó sus límites, al usar materiales caros tenía como objetivo personas adineradas; mientras que la Bauhaus quería una arquitectura que aporte a la nueva realidad industrial, con fábricas, barrios obreros, etc. Para ese entonces, tenían materiales que los animaban como el hierro, el vidrio y el cemento, que les permitió hacer construcciones más populares y útiles para la sociedad.

Alemania: Representantes

Otto Eckmann
Pintor, diseñador gráfico y tipógrafo. Inicia su carrera como pintor de muros y lienzos, pero en vista de la nueva moda por las artes decorativas, decide dedicarse al diseño gráfico y sus derivados, la tipografía. Es así que diseña portadas para muchas revistas, y el logotipo de la editorial S. Fischer Verlag y posteriormente de la revista Die Woche. Comienza a diseñar para la revista Pan, dirigida por Meier-Graefe; donde empieza a crearse un sello personal, en este caso era un naturalismo, diferente al de Horta y Van de Velde, era un nuevo plano, con largas líneas orgánicas que iban entrelazándose para crear más armonía.
Tras la creación de nuevas imágenes, estas serían usadas en alfombras y diseños textiles, por lo que empieza a dar clases sobre este tema en la escuela de artes aplicadas de Kunstwebschule Sherrebek, de donde salen producciones que el público las aceptó bien, al ser innovadores y elegantes. Posteriormente abriría su propia fábrica de alfombras Kreferlder, y nace la alfombra de pie.
Finalizando su carrera crea el tipo de letra Eckmann, en el que muestra algo de nostalgia, y en la actualidad sigue siendo usada en la publicidad.

Hermann Obrist
Fue un escultor, y al terminar sus estudios en artes, se vio tentado por las ciencias naturales, la botánica, por lo que se le consideró conocedor y amigo de la naturaleza. Abre un taller de bordado y tapices en Italia, donde muestra ornamentos menos abstractos que el de los belgas y franceses; posteriormente el taller sería trasladado a Munich, Alemania. Se caracterizó por una fuerza en el bordado, caracterizado por elementos orgánicos, vegetales, y al igual que sus compañeros, sus obras son exhibidas en la revista Pan. Pasando de la bidimensionalidad se vio atraído por los volúmenes, por lo que diseñó elementos en cerámica, muebles y hasta monumentos, mostrando así sus cualidades como escultor. En estas obras Obrist presenta a la planta en su totalidad, desde las raíces, la textura, a la delicada flor y su ramificado.
Finalmente, al lado de Wilhelm von Debschitz fundó una escuela de diseño en Munich, donde fue profesor, y a su vez, enseñó posteriormente en la Bauhaus.

August Endell
Fue un psicólogo y filosofo, pero se dedicó al arte. Es el creador una de las principales obras del Jugendstil, y su pasión por el arte se la debe a Hernán Obrist, de quien se inspiraría en sus obras y con quién aprendería nuevas tendencias en la arquitectura y la artesanía.
Su mejor obra fue su primer encargo, diseñar la fachada del estudio de fotografía Elvira, que con esos motivos orgánicos y abstractos atrajo la mirada de muchos y se hizo famoso repentinamente. También publicó para la revista Pan y Jugend, desde ilustraciones hasta artículos. Su estilo se caracterizaría por retratar a la naturaleza, pero esta vez enfocándose en la vida de esta, sus raíces; que también los mostró en diseños de joyas. Entre sus principales aportes están las creaciones decorativas a la pared, desde arcos a escaleras.
Endell se separa del movimiento, en un viaje a Berlín donde se inician las construcciones de casas, y aprovecha para marcar tendencias.

Liberty: Italia 2

Umberto Bottazzi
Es una historia similar a la de Cambellotti, en este caso, fue un artista-artesano que publicó sus obras en muchas revistas: Emporium, Fantasio, Novissima, La Grande Illustrazione y La Casa. A su vez, participó en exposiciones, con lo que logró hacerse conocido en el medio.
Botazzi tiene un marcado estilo, el de buscar la fantasía, muchas de sus obras tienen como protagonista al pavo real u otro tipo de pájaro que represente elegancia. Su relación con el Art Nouveau es sólo una etapa de su vida artística, y lo más destacado de ese periodo son sus vitrales expuestos en Roma en 1912: The Tulips, The Swans y The Butterflies.

Alfredo Baruffi
Artista boloñés, dibujante y pintor que tenía como inspiración el Jugendstil alemán, por lo que es solicitado posteriormente en revistas italianas. Sin embargo, no adquiere el éxito pues sus obras eran repetitivas y descontinuadas.

Giuseppe Sommaruga
De los principales representantes del Liberty en Italia, un arquitecto innovador, que busca elementos orgánicos y les integra decoraciones escultóricas, para darle más vida a las estructuras; a su vez, trabajó con metales, y se puede ver en su primera y más conocida obra: Palazzo Castiglioni, un edificio polémico por las estatuas que rodeaban la puerta, los Palazina Facanoni, que fueron retiradas a los 15 días por escándalos, al verlo vulgar.
A pesar de todo, este arquitecto sirvió de mucha inspiración para los arquitectos futuristas.

Eugene Quarti
Diseñador industrial, que se dedico a diseñar muebles, fue muy cercano al artista Carlo Buggati, de quien adquirió la inspiración árabe, y se basó en eso para sus decoraciones. Sin embargo, es conocido tras la exposición de Turín en 1898 y en la exposición de París de 1900. A partir de ahí empieza a diseñar mobiliarios para grandes espacios, es decir, más industrial, pero siempre manteniendo los elementos orgánicos característicos del movimiento. Entre sus aportes están las incrustaciones de nácar y plata en las decoraciones

Giácomo Cometti
Si bien no alcanzó la fama de otros diseñadores, se destacó por diseñar mobiliario elegante con incrustaciones de nácar y su trabajo en madera. Sin embargo, se ve atraído por la geometría de Mackintosh, pero como dije antes, es considerado Art Nouveau por el hecho de innovación y modernidad que expresan sus obras.

Liberty: Italia 1

El nuevo estilo llegó tarde a Italia, pues estaban regidos aún por el simbolismo, pero el que le abrió las puertas fue el mayor exponente de este movimiento: Giovanni Segantini, quien en sus obras mostraba el simbolismo pero acompañado de elementos decorativos, lo que atrajo la mirada de muchos libros y revistas. En las publicaciones se veían álbumes decorados, con viñetas y estampas, generalmente litografías a color, estas revistas eran ilustradas por muchos simbolistas. La revista que serviría de ventana a artistas del Liberty sería Novissima, en esta se publican modernos dibujos y el que llamó más la atención fue Aleado Terzi. Posteriormente fueron apareciendo nuevos rostros como Duillo Cambelloti, Umberto Bottazzi y Alfredo Baruffi. Estos artistas se dedicaron a trabajos gráficos, pues con el Liberty se le da mayor difusión a la ilustración, en este caso enfocada en la juventud. En Italia como en muchos otros movimientos el Art Nouveau se manifestó en obras gráficas menores, es decir, postales, calendarios, invitaciones, etc.
En la arquitectura, Giuseppe Sommaruga, y obras destacadas como la Casa Galimberti, el Cinema Dumont y la Casa Guazzoni.
Y en el diseño industrial, Eugene Quarti y Giácomo Cometti.

Aleardo Terzi
Diseñador gráfico, que destacó en las publicaciones surgidas por el nuevo movimiento Liberty. Su obra está inspirada en la Secesión vienesa, en las composiciones bidimensionales, basadas en la línea y los colores planos. Terzi se hizo famoso por una serie de mujeres que hizo para la revista Novissima, gracias a este trabajo se le abren las puertas en otras revistas y empieza su obra gráfica en carteles y tarjetas postales que estuvieron de moda en esa época. Aunque finalizando su carrera, se dedica a realizar portadas, y dirige un instituto de libros.

Duilio Cambellotti
Seguidor de las ideas de William Morris, buscó hacer un arte popular, que contenga los valores morales y educativos, para eso, se volvió artista-artesano multi-facético. Diseñó desde muebles, hasta vitrales. Teniendo a su vez, como inspiración a Víctor Horta y Henry Van de Velde. Se caracterizó por siempre buscar la fantasía, y una buena composición de elementos, muy original.
Su capacidad creativa aumenta al conocer el mundo del teatro, donde empieza a diseñar escenografías, y también al tener contacto con grupos de intelectuales. Gracias a esto, empieza a hacer pequeñas obras sociales a través de su arte, tratando de crear conciencia social.

Modernismo: España

Llegó a este país gracias a la idea del poeta francés Charles Baude, una idea de novedad, moda y originalidad, fue publicada en la revista L’Avenç en 1884. Cataluña es la base del modernismo en España, y es ahí donde se da su desarrollo, pues tenía marcadas diferencias con el mundo cultural del país, señalado hasta por escritores como Rubén Darío.
El modernismo se convirtió en un grupo de intelectuales y artistas en búsqueda de una transformación creativa. Su mayor aporte fue en la arquitectura, con su mayor representante que influyó internacionalmente, Gaudí.

Antonio Gaudí
Fue un arquitecto con gran capacidad creativa e inteligencia espacial. Su objetivo era buscar en las estructuras, pero sin olvidar el aspecto decorativo, a través de técnicas como la vidriería, cerámica, hierro, carpintería, etc.
Gaudí desde sus inicios se vio inspirado por el arte oriental, en concreto, el arte islamista, en el aspecto de no tener límites a la hora de una creación; y también en estudios teóricos sobre la arquitectura, como los de William Morris o John Ruskin. Es así que se ve atraído por el modernismo y busca crearse un sello personal, estudiando las estructuras, para conseguir una integración de las formas geométricas con las orgánicas, siempre evocando a la naturaleza y pensando en la estética. Su pensamiento al realizar una obra era respetar lo tradicional para convertirla en moderna. A su vez, al ser urbanista y paisajista realizaba un profundo estudio el entorno en el cual realizaría su obra.
Posteriormente, en vista de la integración de las artes del modernismo, aprende nuevos oficios en distintos talleres, como la escultura, la carpintería, la vidriería, cerámica, etc. Lo que le permitió crear elementos complementarios a su obra arquitectónica, como el mobiliario, la iluminación o los acabados.
Definitivamente fue un arquitecto de fama internacional, y su estilo sirvió de inspiración para artistas de la época y para los de hoy. Actualmente las obras de Gaudí son consideradas patrimonio mundial, por la UNESCO.